sofia gomez

Certamen 3: Linóleo

2009-07-13T14:52:00.000-07:00

El linóleo es un material utilizado para fabricar recubrimientos de pisos fabricado a partir de aceite de lino solidificado mezclado con harina de madera o polvo de corcho colocado sobre un soporte de una lona o tela basta. Se le suele agregar pigmentos a la mezcla para darle distintos colores.

Este material fue utilizado para la técnica de impresión xilografía, la que consiste en tallar una imagen en una superficie, en este caso linóleo, con gubias que van sacando el material, dejando incisiones. La tinta se mantiene sobre la superficie que no fue intervenida, mientras que todos las depresiones en el linóleo quedan del color del papel que se use.

Ejemplo de Xilografía:

Proceso para Grabado en Linóleo:

Mi grabado es sobre la idea de cuando la fuerza y la belleza se unen, por lo que decidí crear una composición que tiene una cobra y unas rosas, que se complementan y se fusionan creando una forma con potencia en la diagonal sosteniendose en en base. Quice hacer que los elementos se vieran cortados por los cortes verticales y el horizontal inferior para que se vieran como si fueran más grandes que la sperficie, para acentuar el gesto de la fuerza. Le incluí una franja roja de 1/3 del formato para darle color a las rosas y quitarle el punto central a la imagen, para que el ojo entrara por la izquierda que denota potencia y luego la sensualidad de las rosas que guian a la fuerza de la serpiente erguida.

Los materiales utilizados fueron:
1. Trozo de linóleo de 30 x 40 cms
2. Gubias (Curva grande y pequeña, V grande y pequeña)
3. Tinta
4. Rodillo
5. Papel Super Alfa (30 x 40 cms)
6. Papel Volantín Importado Rojo (10 x 40 cms)
7. Papel Kraft

Lo primero es plasmar la imagen en el linóleo, por lo que procedí a hacer un diseño en un papel, el que luego calqué y traspasé al trozo de linóleo con un papel calco. Luego de tener la imagen dibujada en el linóleo, se comienza a tallar con las gubias, las curvas las usé para remover material, mientras que las en v fueron para hacer las líneas definidas.

El papel Super Alfa es cortado en pedazos de 30 x 40 centímetros para calzar con la compisición y se le pega un pedazo de Papel Volantín Rojo de 10 x 40 cms en el lado derecho, el que luego por efecto del inverso que realiza el grabado, quede a la izquierda. Tiene que calzar con las rosas para que estas queden con color y no la serpiente.

Luego de tener las piezas y la composición definidas, se procede a entintar la placa de linóleo con un rodillo, cuidando que las partes blancas no se ensucien. Al estar esto listo, se procede a llevarla a la prensa y ponerla en el sobre de papel kraft en el lugar requerido.

Después, el papel super alfa listo con la composición de papel de color sobre éste, se lleva a la prensa y se pone con cuidado sobre la placa de linóleo cuidando que no se corra o se ensucie.
Al dar la vuelta completa al rodillo de prensa, se retira el papel con cuidado y se deja secar.

Me pareció interesante el trabajo de la línea en la serpiente y en las rosas, pues ambas figuras tenían diferente tipo de trama, la serpiente por un lado tenía muchas escamas, lo que hizo que se viera más detallada y le diera un aspecto más complejo, mientras que las rosas tenían trazos curvos que iban acentuando lo sutil de la flor.

Yo hice este proceso el día lunes y el día miércoles, pues las copias que hice el día lunes no quedaron bien definidas, no había un buen entintado y los papeles muy sucios, por lo que el día miércoles hice 6 pruebas de las que me quedé con las 4 mejores ediciones para la entrega final.

Pruebas fallidas:

4 Ediciones:

CERTAMEN 2: AGUAFUERTE

2009-06-07T19:08:00.000-07:00

Aguafuerte:

El aguafuerte es una modalidad de grabado que se efectúa tomando como base una plancha o lámina de aleación metálica, habitualmente de hierro y zinc. Ésta se recubre de una fina capa de barniz protector resistente a los ácidos. El grabador dibuja con un estilete de punta cónica muy afilada en esta capa de barniz, llegando justo hasta el cobre sin penetrar en él. Posteriormente se sumerge la lámina con su barniz en una solución de agua y ácido nítrico, (esto es el propio aguafuerte). Esta solución corroe el cobre en las zonas en que éste no está protegido por el barniz, y deja unos surcos. El tiempo de inmersión de la lámina en el ácido determina la profundidad de la línea en el grabado, otorgándole a mayor tiempo mayor valor.

Se retira el barniz, y la plancha ya está lista para el proceso de estampación. Se impregna la superficie con una tinta espesa que penetra en los surcos y se retira el sobrante. Se coloca sobre la plancha un papel especial, humedecido y se pasa por una prensa formada por una pletina de metal y dos rodillos denominada "Torculo". El papel penetra en los surcos y se impregna de la tinta, obteniéndose una imagen simétrica a la que se encuentra en la matriz.

En este caso, el trabajo de aguafuerte se realizó estampando la imagen en una placa de aluminio desde una fotocopia, donde el toner o tinta de esta y al igual que y al ir pintando con un barniz de retape protegía ciertas zonas de la corrosión del ácido muriático. Para que la placa no fuera afectada en el reverso, se tapó con un adhesivo transparente para protegerlo. Se fue realizando un proceso de retape y al ir sumergiendo la placa en el ácido las zonas que no estaban tapadas iban quedando cada vez más profundas permitiendo un juego de sombras para crear planos.

Proceso:

1. Imagen:

La imagen es una fotografía tomada por mí en Valparaíso, donde se ve un auto escarabajo abandonado, corroído y pintado. Luego de la impresión en blanco y negro de la imagen, le tomé fotocopias donde se hiciera más notorio el alto contraste para que las zonas blancas y las negras se diferenciaran bien unas de otras para lograr hacer un grabado más definido. La fotocopia fue traspasada a la placa de aluminio usando un algodón con diluyente duco y dejandolo bien húmedo, lo que provocó que quedaran manchas irregulares y la imagen se viera con un carácter antiguo.

2. Retape:

Apliqué barniz de retape con un pincel en las zonas donde era necesario que estuviera más blanco para que luego al sumergir la placa en el ácido muriático este afectara a las demás zonas, dejando los blancos en un primer plano. El toner también funciona como capa protectora para el ácido, por lo que además de las zonas con barniz estas qudarían sin afectarse y las manchas quedaría impresas permitiendo el efecto deseado.

3. Ácido:

El día estaba nublado y frío, por lo que el ácido demoró más tiempo de lo necesario para que quedaran hendiduras en el aluminio, estuvo al rededor de 20 minutos sumergida. Debía preocuparme de que si el ácido le hacía daño al toner, pero este salió intacto y provocó la diferencia de planos necesaria.

Placa e impresión al haber finalizado este proceso:

Luego de este proceso me di cuenta de que le faltaba jerarquía a la imagen, porque las zonas blancas del fondo estaban muy similares a las del auto y los grises estaban muy tenues, por lo que decidí continuar con el proceso de retape para acentuar ciertas zonas.

4. 2do Retape:

Luego del proceso anterior, fue necesario ir creando planos con respecto al objeto principal que es el auto, para que este apareciera en primer plano y el resto de imagenes aparecieran detrás de este para captar la información desde un primer golpe de vista. Al ir jerarquizando la imagen, las zonas blancas que aparecían detrás del auto que provenían de los marcos de las ventanas y puertas, se venían muy encima y se ligaban mucho al auto, por lo que fue necesario darle más profundidad. Esto se logró tapando con barniz las zonas que no necesitaban más oscuridad, como el auto y la mancha negra de la calle. Luego se llevó al ácido y este permitió que se crearan grises en las zonas donde antes estaba blanco.

5. 3er Retape:

Luego de sacar la placa del ácido, vi que los grises estaban quedando muy planos, por lo que cree una mancha que fuera más oscura aún para que se generara más profundidad. Para esto, tapé con barniz las zonas que ya había afectado y dejé al descubierto un espacio irregular en donde los bordes fueron pintados con pedazos de diario arrugados para que le diera el aspecto que se buscaba desde el principio. Se llevó al ácido y éste se encargó de dar esta zona aún más profunda, al dejar la plancha al rededor de unos 5 u 8 minutos fue afectada porque a diferencia de la primera vez, el día estaba soleado y caluroso.

6. Placa final e Impresión:

Luego de haber realizado todo el proceso de retape y ácido, entinté la placa de aluminio con la tinta especial, lo limpié para quitar toda la tinta restante y me preocupé de que las zonas donde debía quedar blanco estuvieran bien limpias y las zonas donde era necesario que quedaran bien negras estuvieran con la suficiente tinta para que no quedaran zonas donde se viera la textura del papel.

CERTAMEN 1: Huecograbado Puntaseca

2009-04-26T14:20:00.000-07:00

Huecograbado:

El huecograbado es una tecnica de impresión en la cual las imágenes son transferidas al papel a partir de una superficie cuyas depresiones contienen tinta, a diferencia del grabado tipográfico, en el que la impresión se realiza a partir de una superficie plana cuyas líneas entintadas están en relieve.

El proceso del huecograbado con punta seca se realiza primero con una placa ya sea metálica o plástica, en la que se hacen incisiones con una punta llamada punta seca, que en este caso es de metal. Luego de que la imagen está hecha en bajo relieve a partir de la punta metálica, se procede a entintar toda la placa, la que posteriormente se limpia, dejando solamente las hendiduras con tinta para la impresión. La tinta se imprime en el papel por rechazo del agua con el aceite de la tinta, ya que el papel previamente se moja y luego se lleva a la prensa para traspasar la imagen desde la placa al papel.

Pruebas de material:

Antes de hacer el grabado para presentar en el certamen, hice pruebas de material con radiografía, para ver si este era el material que me servía para la placa para grabar. La línea quedaba muy imprecisa y gruesa, tenía muy poca definición, lo que no me servía para hacer un trabajo con varios elementos y de aspecto más complejo, por lo que descarté el material y decidí hacerlo en aluminio.

Proceso Formal para grabado de certamen:

1. Dibujo en papel:
El dibujo lo hice en papel, a tamaño (20 x 30 cm) para traspasarlo a la placa de aluminio que elegí como material para trabajar. Primero hice el dibujo y luego lo traspasé con papel calco a la placa.

2. Primeras Pruebas:

Estas dos fueron unas de las primeras copias que realicé para ir viendo como iban quedando marcadas las incisiones básicas en la placa. Las líneas quedaban gruesas y se veía muy básico, sin planos, luces ni sombras, por lo que para un siguiente paso decidí r haciendo tramas con la punta metálica.

3. Sombras:

Al ir haciendo las sombras, se iban haciendo cada vez más líneas, algunas quedaban muy gruesas y con la tinta dispareja en ellas y otras quedaban con pelusas y pedazos de papel metidos dentro de las línas, lo que sucedía porque al quedar restos de metal al borde de las líneas por las incisiones con punta metálica, este metal era filoso y rompía el papel que sirve para limpiar la tinta restante de la placa. Por esto, le pasé una virutilla fina para pulir toda la placa y sacarle las puntas que iban quedando cada vez que hacía líneas, por my finas que fueran. Esto hizo que la línea quedara más fina, más precisa y sin papeles en ellas.

4. Producto final y placa metálica:

El grabado final es la misma imagen, pero con las sombras necesarias para ir creando planos entre la flor que está más cerca y las que están detrás de ella. Este grabado se hizo con una placa de aluminio, y se fue tallando con una punta metálica, la que sirvió para hacer las líneas y las sombras, y el fondo que se ve disparejo y texturado se da por la virutilla, pues fui tallando en forma circular para quitarle rigidez y darle más profundidad que el blanco.

Ilustración Digital - Certamen 3

2008-12-03T14:12:00.000-08:00

Para hacer una ilustración para niños de entre 15 y 18 años aproximadamente, decidí centrarme en lo que son los pasatiempos de niños de estas edades. Al tener dos hermanos que están entre esas edades, me sentí más cercana a lo que ellos hacen y lo que disfrutan es hacer deportes, jugar juegos en línea, chatear, navegar en la web y jugar videojuegos. Entonces decidí centrar mi ilustración en recrear una escena cotidiana para ellos en un ambiente que les es atractivo, pero añadiéndole algo desconcertante y gracioso a esta.
La ilutración trata de los videojuegos y la manera en que estos atraen a los niños o jóvenes para tener nuevas o más intensas sensaciones que generalmente no se dan en la vida real. Es por esto que la ilustración muestra dos jovenes jugando uno de los juegos más famosos de Play Station, donde el auto que aparece es parte del sello de reconocimiento. Los niños van a estar jugando este juego y por la velocidad en que se juega ellos van a sentir fisica y realmente la velocidad en que va el auto, el que incluso llega a escaparse de la pantalla y abalanzarse sobre ellos.
Hay un niño y una niña jugando el juego porque creo que es importante destacar que ambos sexos suelen participar de este tipo de juegos, y también porque es necesario atraer a ambos hacia la ilustración, y al ser partícipes ambos es más probable sentirse identificado.
La idea central es crear desconcierto y risa, pues no es una ilustración seria.

1. Proceso Niño:

Comencé por el niño, primero hice un boceto a mano, luego lo tracé en Adobe Illustrator y finalmente lo pinté y añadí luces y sombras en Adobe Photoshop.

2. Proceso Niña:
Dibujé la niña a mano, luego la tracé en Adobe Illustrator para después unirla con el niño en la composición.

3. Proceso Televisor:
Dibujé el televisor a mano y después lo tracé en Adobe Illustrator para unirla a la composición final.

4. Proceso Auto:
Tracé en Adobe Illustrator el auto Lamborghini Murciélago amarillo que es el icono de Need For Speed, un juego de Play Station. Para luego incorporarla a la composición.

5. Proceso 1 Composición:

Se van incorporando los elementos trazados a la composición en Adobe Photoshop, mientras se va dando color, luces y sombras a la niña.

6. Proceso 2 Composición:
Le di color, luces y sombras a todos los elementos, luego le agregué una capa de velocidad al auto com un desenfoque de movimiento y después hice unas sombras proyectadas a los niños. Trabajo en Adobe Photoshop.

7. Proceso 3 Composición:
Añadí una capa de la ilustración en duotono para darle el color de una pieza sin luces además de la azul del televisor, y al incorporarla a la composición la puse en modo Multiplicar para que se acoplara a esta y le diera el aspecto de luz necesario.

8. Ilustración Final:
Finalmente, añadí luces de color azul y amarillo provenientes del televisor para entregarle dramatismo a esa zona.

Ilustracion Digital - Certamen 2

2008-11-05T13:20:00.000-08:00

Para hacer el díptico de ilustraciones decidí centrarme en el concepto de lo Bohemio, que según definición, se refiere a un modo de vivir de ciertos sectores socioculturales con una escala de valores diferente a la de la sociedad sedentaria y burguesa, en particular artistas e intelectuales. Centrandome en el área artística de la música y el baile callejero.
Para ligarlo con la música tomé un elemento del jazz, el saxofón, ya que creo que este tipo de música tiene el estilo no comercial que se le puede atribuir a lo bohemio, y por otro lado el baile del tango que por historia es un baile callejero de las personas que no pertenecían a la alta sociedad de la zona. Ambas escenas ocurren en la ciudad, de noche, porque creo que es un escenario que otorga el misterio "underground" de lo bohemio. El color también tiene una relación con la temática porque es un color ambiguo, no es ni cálido ni frío y esto hace que la noche lleve una carga simbólica que cobija a los personajes.
Ambas escenas se complementan, pues la idea es que parezca que la música cruza de un lado al otro la ciudad, donde esta nace en un punto y logra usarse para el baile en el otro. pesar de que se complementan, al ser dos expresiones que no necesitan a una de la otra, pueden existir separadas y de igual manera el concepto se entiende como Bohemio.
Las ilustraciones corresponden a un grupo objetivo que es el de jóvenes de 18 años a ya adultos jóvenes de 30, aunque puede haber una variación en edades porque se trata de un tema ya más universal y depende más de la personalidad del espectador que de la edad solamente.

1. Proceso Ilustración 1:

a) Ciudad:
Primero hice un dibujo de ciudad en Adobe Illustrator, pero me pareció muy estática, por lo que fui dándole más perspectiva con Adobe Photoshop y luego le di color y trabajo de luz y sombra en el mismo programa. Agregué una luna para darle un eje diagonal más marcado.

b) Saxofonista:

Para la saxofonista, primero hice un dibujo a mano, luego lo escaneé y después la tracé en Adobe Illustrator.

c) Composición saxofonista y ciudad:

Llevé el trazado de la saxofonista desde Adobe Illustrator a Adobe Photoshop donde estaba ya lista la ilustración de la ciudad. Ahí comencé a pintarla por zona y luego a darle luces y sombras. Agregué una sombra desde la misma figura de la mujer que siguiera la dirección de la luz de la luna y al final las notas musicales que salían desde el saxofón hasta perderse en la lejanía de la ciudad. Finalmente adecué más a la mujer en el espacio, haciendo que siguiera la diagonal de la composición y que no estuviera tan cerca.

2. Proceso Ilustración 2:

a) Ciudad:
Para la segunda ilustración usé la misma ciudad, pero en otro sentido, para que pareciera como si fuera el otro extremo de la ciudad, que el espectador que está al centro sienta como si mira hacia los dos angulos. Entonces usé la misma ilustración d ela ciudad anterior, pero invertida y con variaciones en los edificios, además agregué estrellas, porque al estar más lejos de la luna llena estas brillan más. Usé Adobe Photoshop.

b) Farol:

Para el farol, primero lo dibujé a mano, luego lo escaneé y después lo tracé en Adobe Illustrator.

c) Composición farol y ciudad:
Llevé el trazado del farol a la ciudad ya hecha en Adobe Photoshop y le añadí color. Luego le fui dando luces y sombras. El piso fue variando la iluminación de acuerdo a la posición del farol y finalmente se proyectó una sombra de este mismo. Mientras iba haciendo el farol fui cambiando los edificios del fondo y dandoles luces y sombras.

d) Bailarines:
Dibujé dos bailarines de tango en Adobe Illustrator para incorporar a la segunda ilustración.

e) Composición ciudad y bailarines:
Incorporé a los bailarines trazados a la composición en Adobe Photoshop, los pinté y luego les trabajé las luces y sombras. Después le agregué una sombra proyectada de los mismos cuerpos en dirección de la diagonal de la composición con el farol y las baldosas. Finalmente le agregué las notas musicales que venían desde el otro lado de los edificios, acercándose.

3. Díptico Final:
Dimensiones de cada ilustración: 3071 x 5079 píxeles a 300 dpi.

Ilustración Digital - Certamen 1

2008-10-01T15:17:00.000-07:00

Primero que todo, es necesario definir mi estilo en lo que es la ilustración, esto es un estilo más bien fotográfico que busca acercar el dibujo o pintura lo más posible a una fotografía, pero que al mismo tiempo se siga viendo como una ilustración, dibujo o pintura. Es un estilo realista con toques de fantasía y gráficamente se caracteriza por tener colores potentes que al estar apoyados por luces y sombras, pareciera como que salieran del plano. Es un tipo de ilustración más artística, pero siempre apoyado por un concepto y completamente adaptable a la ilustración de textos, que al final eso es lo que significa ilustrar, "dar luz" a los textos, como ocurría en los manuscritos antiguos.
La ilustración se llama "Día de los Muertos", va acorde a una temática mexicana, que son rituales que se dedican a los muertos, de hace tres mil años, donde el colorido, las flores y las calaveras pintadas son los personajes principales. Además del trasfondo cultural de lo que son las calaveras mexicanas, mi ilustración se une a lo que es el arte del tatuaje tradicional, pero con un aire más pictórico.
El concepto de la ilustración se basa en reflejar la idea de la vida y la muerte a través del contraste entre lo vivo, que serían las flores, y lo muerto, que sería la calavera. Por esto, se usan colores muy contrastados, muy brillantes, pero que a su vez tienen una atmósfera de oscuridad.
Por la temática de la vida y la muerte, el contexto cultural e historico mexicano y lo que es la gráfica del tatuaje tradicional, mi ilustración va dirigida a jóvenes, entre los 15 y los 25 años, que son los que más se interesan en este tipo de temáticas.

1. Proceso Calavera

Dibujé la calavera en Adobe Illustrator con Pen Tablet, sin embargo, fue la última parte que trabajé los colores, luces y sombras para que se uniera bien con el resto de la ilustración.
Programa: Adobe Illustrator (trazados), Adobe Photoshop (color, luces y sombras)
Técnica: Digital, con pen tablet

2. Proceso Flor Naranja:

Dibujé la flor en Adobe Illustrator con Pen Tablet, luego la pinté en Adobe Photoshop y le agregué luces y sombras pétalo por pétalo. Esta flor también la utilicé en color celeste y en un naranja mas rojizo.
Programa: Adobe Illustrator (trazados), Adobe Photoshop (color, luces y sombras)
Técnica: Digital, con pen tablet

3. Proceso Rosa:

Dibujé la rosa en Adobe Illustrator, valiéndome de una fotografía, pero el dibujo no es la copia de la fotografía, hubo cambios de forma pues trabajé con el picel que da trazos curvilíneos y más espontáneos que la pluma. Todas las ilustraciones las hice de la misma forma y en el mismo proceso que la flor anterior, pero esa fue la única que guardé el proceso como tal. Luego de dibujarla, la pinté y le edité las luces y sombras pétalo por pétalo en Adobe Photoshop. Utilicé 2 de estas rosas en la ilustración, una en el color rojo original y otra con un toque mas magenta.
Programa: Adobe Illustrator (trazados), Adobe Photoshop (color, luces y sombras)
Técnica: Digital, pen tablet.

4. Proceso Peonia:

La segunda clase que tuvimos dibujé esta peonia en el programa Art Weaver, pero no me gustó el resultado por la imperfección del trazo. Luego la dibujé en Adobe Illustrator, no necesité de ningún tipo de fotografía ni base porque acostumbro a dibujar esta clase de flores. Finalmente la pinté en Adobe Photoshop y le agregué las luces y sombras pétalo por pétalo. Hay dos de estas flores en distintos tonos de violeta y las usé como fondo para las otras flores porque tenían una leve diferencia de estilo con las otras.
Programa: Adobe Illustrator (trazados), Adobe Photoshop (color, luces y sombras)
Técnica: Digital, pen tablet.

5. Composición Final:

Reuní todas las flores de acuerdo a la forma y el color predominante, formando una especie de corona para la calavera que iba a estar posada sobre ellas. Comencé por las rosas, luego las flores naranjas, luego las peonias y finalmente la calavera, la que edité en ese mismo espacio para que hubiera conexión cromática.
Programas: Adobe Photoshop
Técnica: Digital, pen tablet
Tamaño ilustración: 5079 x 3307 pixeles a 300 dpi